Y salían en ciertas épocas a cazar enemigos;
le llamaban la guerra florida.
A mitad del largo zaguán del hotel pensó que debía ser tarde y se apuró a salir a la calle y sacar la motocicleta del rincón donde el portero de al lado le permitía guardarla. En la joyería de la esquina vio que eran las nueve menos diez; llegaría con tiempo sobrado adonde iba. El sol se filtraba entre los altos edificios del centro, y él -porque para sí mismo, para ir pensando, no tenía nombre- montó en la máquina saboreando el paseo. La moto ronroneaba entre sus piernas, y un viento fresco le chicoteaba los pantalones.
Dejó pasar los ministerios (el rosa, el blanco) y la serie de comercios con brillantes vitrinas de la calle Central. Ahora entraba en la parte más agradable del trayecto, el verdadero paseo: una calle larga, bordeada de árboles, con poco tráfico y amplias villas que dejaban venir los jardines hasta las aceras, apenas demarcadas por setos bajos. Quizá algo distraído, pero corriendo por la derecha como correspondía, se dejó llevar por la tersura, por la leve crispación de ese día apenas empezado. Tal vez su involuntario relajamiento le impidió prevenir el accidente. Cuando vio que la mujer parada en la esquina se lanzaba a la calzada a pesar de las luces verdes, ya era tarde para las soluciones fáciles. Frenó con el pie y con la mano, desviándose a la izquierda; oyó el grito de la mujer, y junto con el choque perdió la visión. Fue como dormirse de golpe.
Volvió bruscamente del desmayo. Cuatro o cinco hombres jóvenes lo estaban sacando de debajo de la moto. Sentía gusto a sal y sangre, le dolía una rodilla y cuando lo alzaron gritó, porque no podía soportar la presión en el brazo derecho. Voces que no parecían pertenecer a las caras suspendidas sobre él, lo alentaban con bromas y seguridades. Su único alivio fue oír la confirmación de que había estado en su derecho al cruzar la esquina. Preguntó por la mujer, tratando de dominar la náusea que le ganaba la garganta. Mientras lo llevaban boca arriba hasta una farmacia próxima, supo que la causante del accidente no tenía más que rasguños en la piernas. "Usté la agarró apenas, pero el golpe le hizo saltar la máquina de costado..."; Opiniones, recuerdos, despacio, éntrenlo de espaldas, así va bien, y alguien con guardapolvo dándole de beber un trago que lo alivió en la penumbra de una pequeña farmacia de barrio.
La ambulancia policial llegó a los cinco minutos, y lo subieron a una camilla blanda donde pudo tenderse a gusto. Con toda lucidez, pero sabiendo que estaba bajo los efectos de un shock terrible, dio sus señas al policía que lo acompañaba. El brazo casi no le dolía; de una cortadura en la ceja goteaba sangre por toda la cara. Una o dos veces se lamió los labios para beberla. Se sentía bien, era un accidente, mala suerte; unas semanas quieto y nada más. El vigilante le dijo que la motocicleta no parecía muy estropeada. "Natural", dijo él. "Como que me la ligué encima..." Los dos rieron y el vigilante le dio la mano al llegar al hospital y le deseó buena suerte. Ya la náusea volvía poco a poco; mientras lo llevaban en una camilla de ruedas hasta un pabellón del fondo, pasando bajo árboles llenos de pájaros, cerró los ojos y deseó estar dormido o cloroformado. Pero lo tuvieron largo rato en una pieza con olor a hospital, llenando una ficha, quitándole la ropa y vistiéndolo con una camisa grisácea y dura. Le movían cuidadosamente el brazo, sin que le doliera. Las enfermeras bromeaban todo el tiempo, y si no hubiera sido por las contracciones del estómago se habría sentido muy bien, casi contento.
Lo llevaron a la sala de radio, y veinte minutos después, con la placa todavía húmeda puesta sobre el pecho como una lápida negra, pasó a la sala de operaciones. Alguien de blanco, alto y delgado, se le acercó y se puso a mirar la radiografía. Manos de mujer le acomodaban la cabeza, sintió que lo pasaban de una camilla a otra. El hombre de blanco se le acercó otra vez, sonriendo, con algo que le brillaba en la mano derecha. Le palmeó la mejilla e hizo una seña a alguien parado atrás.
Como sueño era curioso porque estaba lleno de olores y él nunca soñaba olores. Primero un olor a pantano, ya que a la izquierda de la calzada empezaban las marismas, los tembladerales de donde no volvía nadie. Pero el olor cesó, y en cambio vino una fragancia compuesta y oscura como la noche en que se movía huyendo de los aztecas. Y todo era tan natural, tenía que huir de los aztecas que andaban a caza de hombre, y su única probabilidad era la de esconderse en lo más denso de la selva, cuidando de no apartarse de la estrecha calzada que sólo ellos, los motecas, conocían.
Lo que más lo torturaba era el olor, como si aun en la absoluta aceptación del sueño algo se revelara contra eso que no era habitual, que hasta entonces no había participado del juego. "Huele a guerra", pensó, tocando instintivamente el puñal de piedra atravesado en su ceñidor de lana tejida. Un sonido inesperado lo hizo agacharse y quedar inmóvil, temblando. Tener miedo no era extraño, en sus sueños abundaba el miedo. Esperó, tapado por las ramas de un arbusto y la noche sin estrellas. Muy lejos, probablemente del otro lado del gran lago, debían estar ardiendo fuegos de vivac; un resplandor rojizo teñía esa parte del cielo. El sonido no se repitió. Había sido como una rama quebrada. Tal vez un animal que escapaba como él del olor a guerra. Se enderezó despacio, venteando. No se oía nada, pero el miedo seguía allí como el olor, ese incienso dulzón de la guerra florida. Había que seguir, llegar al corazón de la selva evitando las ciénagas. A tientas, agachándose a cada instante para tocar el suelo más duro de la calzada, dio algunos pasos. Hubiera querido echar a correr, pero los tembladerales palpitaban a su lado. En el sendero en tinieblas, buscó el rumbo. Entonces sintió una bocanada del olor que más temía, y saltó desesperado hacia adelante.
-Se va a caer de la cama -dijo el enfermo de la cama de al lado-. No brinque tanto, amigazo.
Abrió los ojos y era de tarde, con el sol ya bajo en los ventanales de la larga sala. Mientras trataba de sonreír a su vecino, se despegó casi físicamente de la última visión de la pesadilla. El brazo, enyesado, colgaba de un aparato con pesas y poleas. Sintió sed, como si hubiera estado corriendo kilómetros, pero no querían darle mucha agua, apenas para mojarse los labios y hacer un buche. La fiebre lo iba ganando despacio y hubiera podido dormirse otra vez, pero saboreaba el placer de quedarse despierto, entornados los ojos, escuchando el diálogo de los otros enfermos, respondiendo de cuando en cuando a alguna pregunta. Vio llegar un carrito blanco que pusieron al lado de su cama, una enfermera rubia le frotó con alcohol la cara anterior del muslo, y le clavó una gruesa aguja conectada con un tubo que subía hasta un frasco lleno de líquido opalino. Un médico joven vino con un aparato de metal y cuero que le ajustó al brazo sano para verificar alguna cosa. Caía la noche, y la fiebre lo iba arrastrando blandamente a un estado donde las cosas tenían un relieve como de gemelos de teatro, eran reales y dulces y a la vez ligeramente repugnantes; como estar viendo una película aburrida y pensar que sin embargo en la calle es peor; y quedarse.
Vino una taza de maravilloso caldo de oro oliendo a puerro, a apio, a perejil. Un trozito de pan, más precioso que todo un banquete, se fue desmigajando poco a poco. El brazo no le dolía nada y solamente en la ceja, donde lo habían suturado, chirriaba a veces una punzada caliente y rápida. Cuando los ventanales de enfrente viraron a manchas de un azul oscuro, pensó que no iba a ser difícil dormirse. Un poco incómodo, de espaldas, pero al pasarse la lengua por los labios resecos y calientes sintió el sabor del caldo, y suspiró de felicidad, abandonándose.
Primero fue una confusión, un atraer hacia sí todas las sensaciones por un instante embotadas o confundidas. Comprendía que estaba corriendo en plena oscuridad, aunque arriba el cielo cruzado de copas de árboles era menos negro que el resto. "La calzada", pensó. "Me salí de la calzada." Sus pies se hundían en un colchón de hojas y barro, y ya no podía dar un paso sin que las ramas de los arbustos le azotaran el torso y las piernas. Jadeante, sabiéndose acorralado a pesar de la oscuridad y el silencio, se agachó para escuchar. Tal vez la calzada estaba cerca, con la primera luz del día iba a verla otra vez. Nada podía ayudarlo ahora a encontrarla. La mano que sin saberlo él aferraba el mango del puñal, subió como un escorpión de los pantanos hasta su cuello, donde colgaba el amuleto protector. Moviendo apenas los labios musitó la plegaria del maíz que trae las lunas felices, y la súplica a la Muy Alta, a la dispensadora de los bienes motecas. Pero sentía al mismo tiempo que los tobillos se le estaban hundiendo despacio en el barro, y la espera en la oscuridad del chaparral desconocido se le hacía insoportable. La guerra florida había empezado con la luna y llevaba ya tres días y tres noches. Si conseguía refugiarse en lo profundo de la selva, abandonando la calzada más allá de la región de las ciénagas, quizá los guerreros no le siguieran el rastro. Pensó en la cantidad de prisioneros que ya habrían hecho. Pero la cantidad no contaba, sino el tiempo sagrado. La caza continuaría hasta que los sacerdotes dieran la señal del regreso. Todo tenía su número y su fin, y él estaba dentro del tiempo sagrado, del otro lado de los cazadores.
Oyó los gritos y se enderezó de un salto, puñal en mano. Como si el cielo se incendiara en el horizonte, vio antorchas moviéndose entre las ramas, muy cerca. El olor a guerra era insoportable, y cuando el primer enemigo le saltó al cuello casi sintió placer en hundirle la hoja de piedra en pleno pecho. Ya lo rodeaban las luces y los gritos alegres. Alcanzó a cortar el aire una o dos veces, y entonces una soga lo atrapó desde atrás.
-Es la fiebre -dijo el de la cama de al lado-. A mí me pasaba igual cuando me operé del duodeno. Tome agua y va a ver que duerme bien.
Al lado de la noche de donde volvía, la penumbra tibia de la sala le pareció deliciosa. Una lámpara violeta velaba en lo alto de la pared del fondo como un ojo protector. Se oía toser, respirar fuerte, a veces un diálogo en voz baja. Todo era grato y seguro, sin acoso, sin... Pero no quería seguir pensando en la pesadilla. Había tantas cosas en qué entretenerse. Se puso a mirar el yeso del brazo, las poleas que tan cómodamente se lo sostenían en el aire. Le habían puesto una botella de agua mineral en la mesa de noche. Bebió del gollete, golosamente. Distinguía ahora las formas de la sala, las treinta camas, los armarios con vitrinas. Ya no debía tener tanta fiebre, sentía fresca la cara. La ceja le dolía apenas, como un recuerdo. Se vio otra vez saliendo del hotel, sacando la moto. ¿Quién hubiera pensado que la cosa iba a acabar así? Trataba de fijar el momento del accidente, y le dio rabia advertir que había ahí como un hueco, un vacío que no alcanzaba a rellenar. Entre el choque y el momento en que lo habían levantado del suelo, un desmayo o lo que fuera no le dejaba ver nada. Y al mismo tiempo tenía la sensación de que ese hueco, esa nada, había durado una eternidad. No, ni siquiera tiempo, más bien como si en ese hueco él hubiera pasado a través de algo o recorrido distancias inmensas. El choque, el golpe brutal contra el pavimento. De todas maneras al salir del pozo negro había sentido casi un alivio mientras los hombres lo alzaban del suelo. Con el dolor del brazo roto, la sangre de la ceja partida, la contusión en la rodilla; con todo eso, un alivio al volver al día y sentirse sostenido y auxiliado. Y era raro. Le preguntaría alguna vez al médico de la oficina. Ahora volvía a ganarlo el sueño, a tirarlo despacio hacia abajo. La almohada era tan blanda, y en su garganta afiebrada la frescura del agua mineral. Quizá pudiera descansar de veras, sin las malditas pesadillas. La luz violeta de la lámpara en lo alto se iba apagando poco a poco.
Como dormía de espaldas, no lo sorprendió la posición en que volvía a reconocerse, pero en cambio el olor a humedad, a piedra rezumante de filtraciones, le cerró la garganta y lo obligó a comprender. Inútil abrir los ojos y mirar en todas direcciones; lo envolvía una oscuridad absoluta. Quiso enderezarse y sintió las sogas en las muñecas y los tobillos. Estaba estaqueado en el piso, en un suelo de lajas helado y húmedo. El frío le ganaba la espalda desnuda, las piernas. Con el mentón buscó torpemente el contacto con su amuleto, y supo que se lo habían arrancado. Ahora estaba perdido, ninguna plegaria podía salvarlo del final. Lejanamente, como filtrándose entre las piedras del calabozo, oyó los atabales de la fiesta. Lo habían traído al teocalli, estaba en las mazmorras del templo a la espera de su turno.
Oyó gritar, un grito ronco que rebotaba en las paredes. Otro grito, acabando en un quejido. Era él que gritaba en las tinieblas, gritaba porque estaba vivo, todo su cuerpo se defendía con el grito de lo que iba a venir, del final inevitable. Pensó en sus compañeros que llenarían otras mazmorras, y en los que ascendían ya los peldaños del sacrificio. Gritó de nuevo sofocadamente, casi no podía abrir la boca, tenía las mandíbulas agarrotadas y a la vez como si fueran de goma y se abrieran lentamente, con un esfuerzo interminable. El chirriar de los cerrojos lo sacudió como un látigo. Convulso, retorciéndose, luchó por zafarse de las cuerdas que se le hundían en la carne. Su brazo derecho, el más fuerte, tiraba hasta que el dolor se hizo intolerable y hubo que ceder. Vio abrirse la doble puerta, y el olor de las antorchas le llegó antes que la luz. Apenas ceñidos con el taparrabos de la ceremonia, los acólitos de los sacerdotes se le acercaron mirándolo con desprecio. Las luces se reflejaban en los torsos sudados, en el pelo negro lleno de plumas. Cedieron las sogas, y en su lugar lo aferraron manos calientes, duras como el bronce; se sintió alzado, siempre boca arriba, tironeado por los cuatro acólitos que lo llevaban por el pasadizo. Los portadores de antorchas iban adelante, alumbrando vagamente el corredor de paredes mojadas y techo tan bajo que los acólitos debían agachar la cabeza. Ahora lo llevaban, lo llevaban, era el final. Boca arriba, a un metro del techo de roca viva que por momentos se iluminaba con un reflejo de antorcha. Cuando en vez del techo nacieran las estrellas y se alzara ante él la escalinata incendiada de gritos y danzas, sería el fin. El pasadizo no acababa nunca, pero ya iba a acabar, de repente olería el aire libre lleno de estrellas, pero todavía no, andaban llevándolo sin fin en la penumbra roja, tironeándolo brutalmente, y él no quería, pero cómo impedirlo si le habían arrancado el amuleto que era su verdadero corazón, el centro de la vida.
Salió de un brinco a la noche del hospital, al alto cielo raso dulce, a la sombra blanda que lo rodeaba. Pensó que debía haber gritado, pero sus vecinos dormían callados. En la mesa de noche, la botella de agua tenía algo de burbuja, de imagen traslúcida contra la sombra azulada de los ventanales. Jadeó buscando el alivio de los pulmones, el olvido de esas imágenes que seguían pegadas a sus párpados. Cada vez que cerraba los ojos las veía formarse instantáneamente, y se enderezaba aterrado pero gozando a la vez del saber que ahora estaba despierto, que la vigilia lo protegía, que pronto iba a amanecer, con el buen sueño profundo que se tiene a esa hora, sin imágenes, sin nada... Le costaba mantener los ojos abiertos, la modorra era más fuerte que él. Hizo un último esfuerzo, con la mano sana esbozó un gesto hacia la botella de agua; no llegó a tomarla, sus dedos se cerraron en un vacío otra vez negro, y el pasadizo seguía interminable, roca tras roca, con súbitas fulguraciones rojizas, y él boca arriba gimió apagadamente porque el techo iba a acabarse, subía, abriéndose como una boca de sombra, y los acólitos se enderezaban y de la altura una luna menguante le cayó en la cara donde los ojos no querían verla, desesperadamente se cerraban y abrían buscando pasar al otro lado, descubrir de nuevo el cielo raso protector de la sala. Y cada vez que se abrían era la noche y la luna mientras lo subían por la escalinata, ahora con la cabeza colgando hacia abajo, y en lo alto estaban las hogueras, las rojas columnas de rojo perfumado, y de golpe vio la piedra roja, brillante de sangre que chorreaba, y el vaivén de los pies del sacrificado, que arrastraban para tirarlo rodando por las escalinatas del norte. Con una última esperanza apretó los párpados, gimiendo por despertar. Durante un segundo creyó que lo lograría, porque estaba otra vez inmóvil en la cama, a salvo del balanceo cabeza abajo. Pero olía a muerte y cuando abrió los ojos vio la figura ensangrentada del sacrificador que venía hacia él con el cuchillo de piedra en la mano. Alcanzó a cerrar otra vez los párpados, aunque ahora sabía que no iba a despertarse, que estaba despierto, que el sueño maravilloso había sido el otro, absurdo como todos los sueños; un sueño en el que había andado por extrañas avenidas de una ciudad asombrosa, con luces verdes y rojas que ardían sin llama ni humo, con un enorme insecto de metal que zumbaba bajo sus piernas. En la mentira infinita de ese sueño también lo habían alzado del suelo, también alguien se le había acercado con un cuchillo en la mano, a él tendido boca arriba, a él boca arriba con los ojos cerrados entre las hogueras.
http://mediaisla.net/revista/2015/04/maximo-vega-por-lo-menos-me-gane-una-jirafa/
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Cumbres Borrascosas (Wuthering Heights), Andrea Arnold, 2011
He visto al fin la cinta "Cumbres Borrascosas" (2011), de la directora británica Andrea Arnold, basada en la famosa novela de Emily Brontë. Había escuchado varias críticas televisivas de la película, sobre todo en programas de T.V. españoles, en donde la habían tildado de gran película, y ya la estaba persiguiendo para verla. Ayer me la encontré casualmente en la televisión.
La historia es la siguiente: Heathcliff es un niño que deambula sin oficio ni beneficio por las calles del siglo XIX inglés. Un señor se lo encuentra y se lo lleva a vivir a su granja en Yorkshire, donde es denigrado, insultado y humillado por la familia, que lo trata como a un sirviente, exceptuando a Catherine, una joven más o menos de su edad de la que se enamora y por la que siente una extraña obsesión. Por supuesto, esta obsesión y ese amor, que es mutuo, terminará en tragedia.
La película no se basa con total fidelidad en la novela de Brontë. Es una adaptación libre, y debemos admitir que lo agradecemos porque la novela ha tenido múltiples versiones y ya no estamos dispuestos a seguir de nuevo, sin ningún aliciente, los amores fracasados de los protagonistas. Olvidémonos de la novela, disfrutaremos más la cinta si pensamos que es una historia nueva. El cambio principal es el personaje del adolescente, que aquí es negro, descendiente de esclavos. En la novela se menciona que Heathcliff es "gitano", y que su piel es oscura, pero no se dice que sea negro. Es un cambio importante porque añade un componente racial a la aparente irracionalidad original del personaje principal, que es cruel y vengativo. Algo cambia aquí entonces, nos damos cuenta de que nos encontramos ante una visión diferente de la historia del libro, y de las versiones anteriores (incluidas las telenovelas y las películas mexicanas, una de ellas dirigida nada menos que por Luis Buñuel) de la novela, aunque sin traicionar su esencia.
El libro es una novela romántica, perteneciente al gótico inglés. Emily murió un año después de escribirla. En un ensayo de Borges leí que todos los personajes de "Cumbres Borrascosas" viven en el infierno, pero curiosamente los lugares tienen nombres ingleses. La novela es una pesadilla, como lo es la película, una de las características del gótico. La directora se centra en la visión de Heathcliff, el personaje más atormentado del libro. Utiliza un formato 4:3, lo que significa que la pantalla se vuelve cuadrada, y entonces no vemos lo que sucede alrededor. Debido a este formato, la película es tan íntima, tan cerrada, que casi respiramos el aire que respiran los protagonistas. El filme se divide en dos partes, como se divide también la novela: los niños Heathcliff y Catherine y los jóvenes adultos Heathcliff y Catherine, luego de que Heathcliff se marcha de la casa y regresa con dinero para ejecutar una especie de venganza que todos sabemos acabará mal.
Al convertir el personaje de Heathcliff en un negro, e involucrar el problema racial en la película, la historia contiene una serie de ecos faulknerianos, y Heathcliff se nos parece más al Christmas de "Luz de Agosto", de Faulkner, que al protagonista de la novela de Brontë. William Faulkner es un gótico tardío, que por supuesto le debe mucho a la novela única de Emily, y la violencia y la rebeldía del Heathcliff de Arnold nos recuerda demasiado al mestizo Joe Christmas, destinado a la tragedia debido a su color; a las humillaciones padecidas a manos de su padre adoptivo, un fanático religioso; a su rebeldía, y a su incapacidad para encajar su identidad en medio de dos comunidades raciales divididas que lo rechazaban violentamente.
La película, como la novela, tiene la forma de la pesadilla. Llueve constantemente, por lo que el paisaje está lleno de barro, las ropas enlodadas. La lluvia difumina la imagen, auxiliada por la excelente fotografía, y esto da una impresión de sueño. Hay mucho viento, el cielo es brumoso. El clima se comporta de acuerdo al estado de ánimo de la pareja: si están felices habrá sol, si tienen problemas lloverá o el cielo se tornará oscuro. La pesadilla en la que vive Heathcliff no solamente la conocemos por los hechos, sino por lo que se ve: los protagonistas viven en el infierno. La muerte es una especie de escape de un mundo terrible. En toda la película no hay música, excepto al final, cuando ya Catherine muere (no podemos escucharla, puesto que no debe haberla en el infierno): la música es posible porque Catherine ha descansado, se ha liberado. Como sucede en la novela (lo cual es curioso, puesto que es una adaptación libre), el amor obsesivo lo destruye todo. La escena en la que Heathcliff tiene relaciones con el cadáver, que es obviada en las versiones anteriores debido al estilo telenovelesco de casi todas (soap-operas), refleja la brutalidad de esta historia que las demás versiones han convertido en un melodrama amoroso, cuando en realidad no lo es.
Filmada con cámara en mano, como si fuese un documental, siempre perseguimos a los protagonistas, sobre todo a Heathcliff. Prácticamente no hay una sola escena en la que él no aparezca, por lo que es el protagonista absoluto de la historia, por encima de Catherine. Nos sentimos tan abrumados dentro de la pesadilla que él vive, que cuando empieza la canción "The Enemy", de Mumford & Sons, sentimos un alivio que ya es como una catarsis. Ya se puede llorar, y no por Catherine, la fallecida, sino por el vacío en que ha dejado al pobre Heathcliff, el personaje con el que nos sentimos identificados. Nos desespera el dolor que siente un muchacho que sabe desde el principio que jamás encontrará la paz.
Es difícil olvidar una película como esta. La poesía tan poderosa que transmite es difícil de definir. Es una poesía que se encuentra por encima de la historia, de las actuaciones, del guión; es una poesía puramente visual. Es tan gótica que parece sacada directamente del siglo XIX, y sin embargo, al mismo tiempo, nos damos cuenta de que su factura es rabiosamente contemporánea. Como ha sucedido con anterioridad, las críticas han sido disímiles, pero por suerte escuché a aquellos más benévolos. Los críticos, que siempre se equivocan, la han tildado de "larga", cuando no tiene ni siquiera hora y media; de "tediosa"; de "silenciosa". Lo que hacen la directora y la guionista es quitarle todo accesorio a la historia, dejarla convertida sólo en imagen. Los personajes, entonces, son opacos como el paisaje, oscuros. La película es seca, dura, como las actuaciones de los dos Heathcliff y lo hostil de la tierra. Los personajes casi no hablan, se comunican con gestos y acciones. Como los animales, se mueven por instinto, sin detenerse en lo que puedan pensar los demás; sus acciones son primitivas e irracionales. Viven el uno para el otro sin necesitar de nadie más, como decía Freud que pasaba con los amantes verdaderos. Este curioso instinto animal se refleja también en imágenes: a cada momento vemos animales muertos, como si el amor prohibido de los protagonistas lo corrompiera todo. También vemos a cada momento polillas que vuelan alrededor de los amantes, escarabajos, bichos, otro síntoma de corrupción. Pero también vemos animales vivos, libres, como lo es la pareja de amantes cuando se encuentra sola, y como lo somos todos nosotros, sólo que la sociedad se ha inventado una serie de reglas absurdas que nos encarcelan. Las aves vuelan, libres, Heathcliff se detiene a ver una que se aleja, como si quisiese encontrarse ante un espejo. Debido a que conocemos de antemano la historia, sabemos lo que sucederá al final, aunque la película no está basada en toda la novela, pero lo que vemos y sentimos es conciso y brutal. La película es tan auténtica que nos duele, arrastrados por la pesadilla en la que viven Catherine y Heathcliff, que nos recuerdan en cada toma que en este mundo casi nunca triunfa el amor.
Poco a poco sucederá lo siguiente: la película se convertirá en una obra de culto. Luego, tal vez, será calificada de obra maestra. Su aliado es el tiempo, que auxilia toda obra de arte. Es curioso que, cada vez más, algunos críticos se equivoquen constantemente y no recapaciten. Sucedió con Blade Runner, con El Gran Lebowsky, con Los Duelistas, con La Jetée, hasta con La Dolce Vita, con un largo etcétera de películas que dividieron a la crítica, pero cuyo contenido artístico al final triunfó. Por lo menos pude verla porque me la recomendaron como una cinta impresionante, conmovedora, y me dijeron: No leas todas las críticas, no les hagas caso a Ellos. Estamos acostumbrados: los demás críticos, como siempre, tendrán que reescribir una percepción para la que no están dotados.
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La historia es la siguiente: Heathcliff es un niño que deambula sin oficio ni beneficio por las calles del siglo XIX inglés. Un señor se lo encuentra y se lo lleva a vivir a su granja en Yorkshire, donde es denigrado, insultado y humillado por la familia, que lo trata como a un sirviente, exceptuando a Catherine, una joven más o menos de su edad de la que se enamora y por la que siente una extraña obsesión. Por supuesto, esta obsesión y ese amor, que es mutuo, terminará en tragedia.
La película no se basa con total fidelidad en la novela de Brontë. Es una adaptación libre, y debemos admitir que lo agradecemos porque la novela ha tenido múltiples versiones y ya no estamos dispuestos a seguir de nuevo, sin ningún aliciente, los amores fracasados de los protagonistas. Olvidémonos de la novela, disfrutaremos más la cinta si pensamos que es una historia nueva. El cambio principal es el personaje del adolescente, que aquí es negro, descendiente de esclavos. En la novela se menciona que Heathcliff es "gitano", y que su piel es oscura, pero no se dice que sea negro. Es un cambio importante porque añade un componente racial a la aparente irracionalidad original del personaje principal, que es cruel y vengativo. Algo cambia aquí entonces, nos damos cuenta de que nos encontramos ante una visión diferente de la historia del libro, y de las versiones anteriores (incluidas las telenovelas y las películas mexicanas, una de ellas dirigida nada menos que por Luis Buñuel) de la novela, aunque sin traicionar su esencia.
El libro es una novela romántica, perteneciente al gótico inglés. Emily murió un año después de escribirla. En un ensayo de Borges leí que todos los personajes de "Cumbres Borrascosas" viven en el infierno, pero curiosamente los lugares tienen nombres ingleses. La novela es una pesadilla, como lo es la película, una de las características del gótico. La directora se centra en la visión de Heathcliff, el personaje más atormentado del libro. Utiliza un formato 4:3, lo que significa que la pantalla se vuelve cuadrada, y entonces no vemos lo que sucede alrededor. Debido a este formato, la película es tan íntima, tan cerrada, que casi respiramos el aire que respiran los protagonistas. El filme se divide en dos partes, como se divide también la novela: los niños Heathcliff y Catherine y los jóvenes adultos Heathcliff y Catherine, luego de que Heathcliff se marcha de la casa y regresa con dinero para ejecutar una especie de venganza que todos sabemos acabará mal.
Al convertir el personaje de Heathcliff en un negro, e involucrar el problema racial en la película, la historia contiene una serie de ecos faulknerianos, y Heathcliff se nos parece más al Christmas de "Luz de Agosto", de Faulkner, que al protagonista de la novela de Brontë. William Faulkner es un gótico tardío, que por supuesto le debe mucho a la novela única de Emily, y la violencia y la rebeldía del Heathcliff de Arnold nos recuerda demasiado al mestizo Joe Christmas, destinado a la tragedia debido a su color; a las humillaciones padecidas a manos de su padre adoptivo, un fanático religioso; a su rebeldía, y a su incapacidad para encajar su identidad en medio de dos comunidades raciales divididas que lo rechazaban violentamente.
La película, como la novela, tiene la forma de la pesadilla. Llueve constantemente, por lo que el paisaje está lleno de barro, las ropas enlodadas. La lluvia difumina la imagen, auxiliada por la excelente fotografía, y esto da una impresión de sueño. Hay mucho viento, el cielo es brumoso. El clima se comporta de acuerdo al estado de ánimo de la pareja: si están felices habrá sol, si tienen problemas lloverá o el cielo se tornará oscuro. La pesadilla en la que vive Heathcliff no solamente la conocemos por los hechos, sino por lo que se ve: los protagonistas viven en el infierno. La muerte es una especie de escape de un mundo terrible. En toda la película no hay música, excepto al final, cuando ya Catherine muere (no podemos escucharla, puesto que no debe haberla en el infierno): la música es posible porque Catherine ha descansado, se ha liberado. Como sucede en la novela (lo cual es curioso, puesto que es una adaptación libre), el amor obsesivo lo destruye todo. La escena en la que Heathcliff tiene relaciones con el cadáver, que es obviada en las versiones anteriores debido al estilo telenovelesco de casi todas (soap-operas), refleja la brutalidad de esta historia que las demás versiones han convertido en un melodrama amoroso, cuando en realidad no lo es.
Filmada con cámara en mano, como si fuese un documental, siempre perseguimos a los protagonistas, sobre todo a Heathcliff. Prácticamente no hay una sola escena en la que él no aparezca, por lo que es el protagonista absoluto de la historia, por encima de Catherine. Nos sentimos tan abrumados dentro de la pesadilla que él vive, que cuando empieza la canción "The Enemy", de Mumford & Sons, sentimos un alivio que ya es como una catarsis. Ya se puede llorar, y no por Catherine, la fallecida, sino por el vacío en que ha dejado al pobre Heathcliff, el personaje con el que nos sentimos identificados. Nos desespera el dolor que siente un muchacho que sabe desde el principio que jamás encontrará la paz.
Es difícil olvidar una película como esta. La poesía tan poderosa que transmite es difícil de definir. Es una poesía que se encuentra por encima de la historia, de las actuaciones, del guión; es una poesía puramente visual. Es tan gótica que parece sacada directamente del siglo XIX, y sin embargo, al mismo tiempo, nos damos cuenta de que su factura es rabiosamente contemporánea. Como ha sucedido con anterioridad, las críticas han sido disímiles, pero por suerte escuché a aquellos más benévolos. Los críticos, que siempre se equivocan, la han tildado de "larga", cuando no tiene ni siquiera hora y media; de "tediosa"; de "silenciosa". Lo que hacen la directora y la guionista es quitarle todo accesorio a la historia, dejarla convertida sólo en imagen. Los personajes, entonces, son opacos como el paisaje, oscuros. La película es seca, dura, como las actuaciones de los dos Heathcliff y lo hostil de la tierra. Los personajes casi no hablan, se comunican con gestos y acciones. Como los animales, se mueven por instinto, sin detenerse en lo que puedan pensar los demás; sus acciones son primitivas e irracionales. Viven el uno para el otro sin necesitar de nadie más, como decía Freud que pasaba con los amantes verdaderos. Este curioso instinto animal se refleja también en imágenes: a cada momento vemos animales muertos, como si el amor prohibido de los protagonistas lo corrompiera todo. También vemos a cada momento polillas que vuelan alrededor de los amantes, escarabajos, bichos, otro síntoma de corrupción. Pero también vemos animales vivos, libres, como lo es la pareja de amantes cuando se encuentra sola, y como lo somos todos nosotros, sólo que la sociedad se ha inventado una serie de reglas absurdas que nos encarcelan. Las aves vuelan, libres, Heathcliff se detiene a ver una que se aleja, como si quisiese encontrarse ante un espejo. Debido a que conocemos de antemano la historia, sabemos lo que sucederá al final, aunque la película no está basada en toda la novela, pero lo que vemos y sentimos es conciso y brutal. La película es tan auténtica que nos duele, arrastrados por la pesadilla en la que viven Catherine y Heathcliff, que nos recuerdan en cada toma que en este mundo casi nunca triunfa el amor.
Poco a poco sucederá lo siguiente: la película se convertirá en una obra de culto. Luego, tal vez, será calificada de obra maestra. Su aliado es el tiempo, que auxilia toda obra de arte. Es curioso que, cada vez más, algunos críticos se equivoquen constantemente y no recapaciten. Sucedió con Blade Runner, con El Gran Lebowsky, con Los Duelistas, con La Jetée, hasta con La Dolce Vita, con un largo etcétera de películas que dividieron a la crítica, pero cuyo contenido artístico al final triunfó. Por lo menos pude verla porque me la recomendaron como una cinta impresionante, conmovedora, y me dijeron: No leas todas las críticas, no les hagas caso a Ellos. Estamos acostumbrados: los demás críticos, como siempre, tendrán que reescribir una percepción para la que no están dotados.
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Blade Runner, Un Análisis
Me parece que el valor de la película Blade Runner (Rydley Scott, 1982) se encuentra más allá de una
interpretación sociológica de lo que plantea (o más bien: Blade Runner no
plantea solamente un problema sociológico que tiene que ver con la esclavitud y
la opresión). Los Replicantes de la
película mantienen, a lo largo de todo el metraje, una búsqueda puramente
metafísica, ontológica. Lo que quieren es alargar su vida, que solamente dura
cuatro años (fueron construidos para que durasen cuatro años, lo que significa
que sus creadores decidieron que iban a vivir tan poco tiempo), y esta búsqueda
es notablemente significativa y dolorosa en el líder del grupo rebelde, el más
inteligente y el que llega más lejos en esta búsqueda (hasta el punto de que
logra destruir a su creador, y de que el blade runner Rick Deckard,
interpretado por Harrison Ford, es incapaz de acabar con él), el Nexus 6 Roy Batty interpretado por
Rutger Hauer. Y debemos recordar también que la película está basada en una
novela de Philip K. Dick, es decir, que su historia no es original, de manera
que, aunque la película presente algunas variaciones con respecto al libro, a
veces dramáticas, el valor del filme, entonces, se encuentra a un nivel formal,
no en la configuración de una historia; es decir, a un nivel puramente
estético. La creación de ese mundo oscuro, racialmente sincrético hasta niveles
ridículos, promiscuo, densamente poblado, ecológicamente desastroso,
tecnológicamente apabullante –aunque los seres humanos sigan siendo los mismos
seres humanos de siempre, los pobres que venden comida rápida en las calles
siguen siendo los mismos pobres aunque cocinen con nuevos y sofisticados
aparatos, y los poderosos siguen siendo los mismos poderosos aunque vivan en un
penthouse sacado de uno de los decorados de la Metrópolis
de Fritz Lang (homenaje posmodernista que se repite varias veces en la
película), o aunque hayan abandonado el planeta porque para ellos es
“inhabitable”-, es lo que valida esta obra maestra. El inicio del filme,
presentándonos las imágenes de esa ciudad vista desde arriba, desde uno de esos
automóviles voladores del futuro, con las chimeneas de las fábricas lanzando
esas lenguas de fuego, y todos aquellos gigantescos anuncios publicitarios
electrónicos, es algo que no se había visto anteriormente (es bueno resaltar
esta cualidad), y que ha sido copiado cantidad de veces, por lo que se
convierte en uno de los inicios cinematográficos más impresionantes de la
historia del cine, por su tono tremendo y épico, solamente comparable al Apocalipse Now de Francis Ford Coppola,
o a la propia Metrópolis de Lang:
sabemos que nunca antes hemos visto algo así.
Pero toda la película se dirige hacia
la búsqueda de la vida de este grupo de Replicantes: si soy creado por el ser
humano, y no por Dios, entonces, ¿adónde iré cuando muera? ¿No hay ninguna
posibilidad de trascendencia? El Nexus 6 asesina a su creador de una forma
terrible, con una ira que solamente explica el existencialismo: para qué me
dieron una vida que no he elegido, y que ahora me trae el insoportable dolor
por la muerte (la cual es más dolorosa debido a que solamente vivo cuatro
años). Los Nexus 6 han hecho y han visto cosas terribles, y han sido obligados
a actuar de esa forma por sus creadores, los seres humanos.
Y la siguiente reflexión tiene que ver con la presencia, en la
historia, de la vejez y la memoria: se les insertó en el cerebro una memoria
falsa a los nuevos Replicantes (aunque no a los Nexus 6, que saben que tienen
cuatro años), para que creyesen que han envejecido, que han vivido una vida
anterior. Tienen recuerdos de una infancia que nunca vivieron, de unos padres
que no existieron. Al mismo tiempo, los Replicantes no pueden envejecer
físicamente: cuando se encuentran con Sebastian, un científico con mentalidad
adolescente en el cuerpo de un anciano, puesto que sufre de progeria, se
sienten identificados con él, porque Sebastian también sabe que no durará, sólo
que en el sentido contrario (en el sentido humano, podríamos decir): ellos no
pueden envejecer, mientras que él lo hace de forma acelerada. Ellos envejecen
mentalmente, pero no pueden hacerlo físicamente; el cuerpo de Sebastian
envejece apresuradamente, mientras su mente continúa siendo la de un joven.
La importancia de la memoria en Blade
Runner solamente es comparable a la que tiene en la cinta Eternal Sunhine of the Spotless Mind, de Michel Gondry, es decir,
la manipulación de la memoria con fines científicos, y cómo lo humano, el
misterio, lo ontológico, está por encima de toda manipulación del sistema, de
toda manipulación científica, y cómo los más primitivos sentimientos humanos
(el amor, la solidaridad, la piedad, incluso el odio y el dolor) pueden
llevarnos al final a una redención. Podemos trasladar esas preocupaciones al
mundo actual: la proliferación del Alzheimer en nuestra sociedad, la
multiplicación de una enfermedad que destruye sistemáticamente nuestra memoria,
es decir, la destrucción del pasado y de la vida que hemos vivido.
Al final, me parece que es del todo
injusto comparar Blade Runner con películas como V for Vendetta, o con algunas otras con las que se le ha comparado
en algunos ensayos. Esas son películas menores, cuyo impacto en el espectador
no pasa del mero entretenimiento. En el caso de Vendetta, para poner sólo un ejemplo, su estructura formal es
inverosímil: se nos presenta un régimen despótico, terrible, policial, y sin
embargo acontece en la más absoluta normalidad, como si sucediera en cualquiera
de los países actuales del primer mundo. Y todos sabemos que las dictaduras no
son así, y que tratar de hacer crítica social con nuestro mundo actual no tiene
sentido por esa vía (por eso la película se desarma y deja mucho dinero, que es
lo que les interesa a los productores), además de que su importancia visual es
prácticamente nula. Si a algo se parece la historia (lo que significa: si a
algo se parece la novela original), sería al Frankenstein de Mary Shelley, y si a algo se parece Roy, es a un
Prometeo futurista. Al final, como estamos hablando de arte, en este caso de
cine, lo más importante es lo visual: no podemos deshacernos del rostro de una
belleza surreal de Rachael-Sean Young, de la visión de ese mundo
tecnológicamente melancólico, de la lluvia interminable sobre la ciudad siempre
oscura, de la figura de Rutger Hauer, hasta de su forma de vestir y de
peinarse, y de hablar, que han copiado tantos juegos de video. De la imagen de
Roy pronunciando su panegírico semidesnudo bajo la lluvia, de la paloma que nos
sugiere que el Replicante tenía un alma, y que la trascendencia existe, y que
él ha sido salvado porque a su vez salvó una vida. De la lentitud de su ritmo
narrativo, impropia de las películas de acción, aunque sí cercana al cine negro
norteamericano de la primera mitad del siglo XX. De su obsesión con los ojos,
con lo que se ve, que se repite a lo largo de todo el filme: Rick mirando la
ciudad que nosotros también vemos reflejada en uno de sus ojos, la prueba para
descubrir a los Replicantes se realiza a través de sus ojos, Roy y su compañero
investigan el paradero de su creador a través del científico genético que les
construyó los ojos, Pris-Daryl Hannah pintándose los ojos de negro con un
aerógrafo, Roy asesinando a su creador clavándole los dedos en sus ojos, hasta
llegar a la confesión antológica del último Nexus 6 sobre las cosas bellas y
terribles que ha visto a lo largo de su corta vida.
Blade Runner se parece más, en cuanto a sus aportes a la cinematografía, y a la
profundidad de sus planteamientos, a Metrópolis,
de Lang, a Farenheit 451, de
Truffaut, a La Naranja Mecánica ,
de Kubrick, o, aunque no le deba nada en el aspecto formal, aunque sí en sus
preocupaciones ontológicas sobre la ciencia y el futuro, a Solaris, de Tarkovsky, porque comparte con ella la genialidad de la
obra maestra de ciencia ficción, que perdura en la memoria de la gente y que
nos plantea algunas preguntas esenciales sobre nuestra propia humanidad, para
que las respondamos hoy, aquí y ahora.
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Solo de René
René Rodríguez Soriano (Constanza, 1950), publicó un libro
titulado “Su Nombre, Julia” en el año 1991. Ese libro contiene un cuento del
mismo nombre, que se ha convertido en un clásico de la literatura dominicana. René
es autor de poemas, cuentos y novelas que no lo parecen; sus novelas dan la
impresión más bien de ser poemas largos o recopilaciones de cuentos, aclarando
que digo esto como un cumplido. Conocía su obra, llegué a verlo más de una vez
leyendo sus cuentos o impartiendo una conferencia sobre la cuentística
dominicana, pero lo conocí realmente durante la Feria del Libro de Santiago,
en el año 2005, en la cual se le hizo un homenaje. Tuve la oportunidad de
introducir su obra a un público de mi ciudad natal que ya lo conocía y que, sin
embargo, no me conocía a mí para nada.
René es un caso único en la literatura dominicana, me
parece. En este momento debemos contextualizar al lector sobre una etapa crucial
de la literatura de mi país. René comenzó a publicar un poco antes, muy joven,
en la década del setenta del s. XX, pero fue en la década del ochenta del siglo
pasado cuando su obra empezó a tener difusión y notoriedad. Luego de una época
represiva en la República Dominicana80” que surgió con los jóvenes
de esta apertura democrática, con los cuales él mantiene intereses comunes, a
pesar de que tiene una obra anterior; a René, como a esta generación, no le
preocupan los contenidos políticos o colectivos. La esencia es el individuo, la
existencia, la insatisfacción vital, la sexualidad, el amor. La obra debe tener
un sentido en la forma, más allá del contenido en sí mismo, lo cual era
insólito en la literatura dominicana, preocupada por intereses sociales
arrastrados desde la Era
de Trujillo, la revolución de abril del 65 y la posterior invasión
norteamericana del mismo año (tenemos, claro está, una generación literaria
nacional llamada Generación de Posguerra), los doce años de la dictadura ilustrada de
Joaquín Balaguer.
El escritor, entonces, se enfrenta a un dilema que comparte
con autores de su propia generación, o anteriores, como Andrés L. Mateo, o
poetas como Franklin Mieses Burgos: decidirse por una literatura de contenido social,
debido a un humanismo intrínseco a estos autores (“éramos, sobre todo,
contestatarios”, escribe René en algún lado), y al mismo tiempo enfrentarse al
desencanto y al pesimismo de la época, que lleva al existencialismo y a lo
ontológico. Por supuesto, en este caso gana lo existencial, lo individual,
independientemente de que, como telón de fondo, como atmósfera, aparezca la
realidad de un país en constante ebullición social. René, con sus cuentos de
factura impecable, con personajes preocupados más bien por su efímera
satisfacción sexual, la insatisfacción ideológica, su seguridad económica, la
contemplación de la realidad sin decidirse a actuar, la insatisfacción normal
por la democracia que tanto se anheló y que descubrimos de pronto su
imperfección, se convirtió en profeta en esa década. Su factura es barroca e
indirecta, pero impecable; su ambiente es urbano, clase media. Su lenguaje es
ambiguo, no da nada por sentado, se encuentra cómodo en una relatividad que hoy
día nos parece tan auténtica como en ese momento se nos mostraba tan nueva y
extraña. No sabemos nada, lo que creíamos establecido y puro quizás no lo es
tanto. En “Su Nombre, Julia”, la única preocupación real del protagonista es
esa mujer que
A veces se nos olvida que estamos ante un autor
completamente maduro, un individuo de 64 años de edad que tampoco lo parece,
debido a su personalidad y a su literatura, siempre fresca, un escritor que
Ahora entiendo el mensaje subliminal de una obra que, como
le he confesado al propio René, es única en la literatura dominicana; “única”
en el sentido de singular, y que al mismo tiempo es difícil de imitar debido a
la calidad de su escritura. Estas palabras (ambiguas también, intentando interpretar
lo inaprensible) sólo tratan de que el lector se acerque a una obra que quizás
ya conoce, pero que debe ser leída como toda obra importante lo merece: sin respeto,
con placer, con una sonrisa, sin piedad, con humildad y con pasión.
Máximo Vega.
Para ver videos de escritores:
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ENTREVISTA A MAXIMO VEGA
Winston Paulino:
¿Cómo ve usted el panorama literario y cultural en la actualidad de Santiago de
los Caballeros?
Máximo Vega: Bueno,
como tú sabes Santiago de los Caballeros es una ciudad sumamente dinámica en el
aspecto cultural, y la mayoría de las actividades que hace la ciudad y que hacen
las personas ligadas a la cultura de Santiago se realizan de manera espontánea.
Por ejemplo en Santiago existe el Centro León, hay una serie de
entidades culturales del estado, algunas entidades culturales independientes y
siempre Santiago ha sido una ciudad sumamente dinámica en ese sentido. Claro,
tenemos que estar conscientes y saber que las actividades culturales en
Santiago han disminuido debido a que el Ministerio de Cultura no está
realizando su trabajo, pero la mayoría de las actividades se hacen de manera
espontánea, es decir que no dependen de funcionarios ni de la política, por
suerte, o sea que el santiaguero tiene un ambiente cultural sumamente sano.
W.P.: ¿Cuáles obras
literarias ha publicado usted?
M.V.: Bueno, tú
dijiste en la introducción que yo había publicado dos libros, pero realmente he
publicado algunos más: “Juguete de Madera” que es el libro mío que más se ha
leído, y fue el primer libro que yo publiqué. Luego “Ana y los Demás”, después
un libro de ensayos: “El libro de los últimos días”, que me lo publicó el
Ministerio de Cultura en la gestión anterior. También una antología de
cuentistas de Santiago que se publicó durante la segunda feria del libro de la ciudad. También tengo libros de cuentos, por ejemplo gané el concurso de
cuentos de la Universidad Centralla
Fundación Global con una novela corta, “El Mar”, y ellos
también publicaron esa novela.
W.P.: ¿En qué consiste la novela “Juguete de
madera”?
M.V.: “Juguete de Madera” es la historia de una
niña que se escapa de su casa porque es maltratada por sus padres. Simplemente. Esa niña se
encuentra con un señor que la recoge en una camioneta. Realmente es una
historia de perversión, en un sentido clásico, al estilo de La Caperucita Roja
W.P.: ¿Cuáles
proyectos literarios tiene en la actualidad?
M.V.: El Banco Central
me va a editar una especie de recopilación de todos mis cuentos publicados
titulada “Era Lunes Ayer”, título que es un trozo de un excelente poema de
Ramón Peralta. Eso será este año, posiblemente en abril.
W.P.: ¿Cuáles
concursos ha ganado? o ¿Cuáles premios ha obtenido?
M.V.: Bueno, como
tú dijiste en la introducción gané el Premio Nacional de Ensayo que fue
patrocinado por el Ministerio de Cultura y por la Embajada de Francia con
un trabajo llamado “Víctor Hugo en la Historia ”, conmemorando los doscientos años del
nacimiento de Víctor Hugo. La embajada lo tradujo al francés. También gané el
Primer Premio del Concurso de Novela Corta de la Fundación Global
y Desarrollo (FUNGLODE) con la obra “El Mar”, un premio nacional de cuentos de
la universidad Central Del Este (UCE) con mi libro “El Final del Sueño”,
también concursos de cuento locales, como por ejemplo el concurso de la Alianza Cibaeña ,
etc. También he ganado o he sido finalista de algún concurso internacional. Pero
yo no soy muy amigo de los concursos, y si no significaran una posibilidad de
publicación del libro en un país en el que es tan difícil publicar, o una
entrada extra de dinero, no participaría nunca. Y les recomiendo a los jóvenes
que no se dejen encandilar por los concursos, que siempre son injustos.
W.P.: ¿Cuáles son
las características que debe poseer una obra literaria?
M.V.: Lo primero
que debe tener una obra es la calidad. La obra literaria tiene que estar bien
escrita. Luego los niveles de calidad son relativos, ambiguos. Luego se buscan
cuestiones estéticas, propias de la forma y del lenguaje. La historia, que debe
ser lógica y creíble, debe estar indisolublemente ligada a ese lenguaje. Tú
expresas tu pensamiento, tus sentimientos, de la manera más clara posible. La
literatura es una forma de memoria, la más alta forma de memoria de nuestra
civilización. Un escritor lo que tiene que hacer es expresarse. Cuando tú ves
una película, por ejemplo, a veces te da deseos de reír, otras de llorar, etc.,
esa película lo que está haciendo es transmitiéndote con su historia una serie
de emociones que tú las conviertes en tuyas. Hablo del cine para que me
entiendan los jóvenes. Una película, un cuento o una novela son obras
narrativas. Lo que uno debe hacer es expresarse, y tratar de esforzarse lo más
posible, y ser lo más sincero posible.
W.P.: ¿Cuáles son los grupos literarios en la
actualidad que están realizando una labor ejemplar en la ciudad de Santiago?
M.V.: Bueno, en
Santiago hay varios grupos. Está por ejemplo el Taller de Narradores de
Santiago, que es un taller que yo fundé, y que es uno de los talleres más importantes
de todo el país, como lo es también el taller Triple Llama, que se ha
convertido en uno de los talleres más importantes no solamente de aquí de Moca
o de la región, sino de todo el país. Entonces está el Taller de Narradores de
Santiago, que es un taller que se dedica exclusivamente a la narrativa, o sea al
cuento y la novela. Está también el taller Virgilio Díaz Grullón, que es el
taller de la UASD ,
del Cursa, de la Universidad Autónoma
W.P.: ¿Qué mensaje
tú les envías a los jóvenes, de estímulo para que se dediquen a leer a
escribir?
M.V.: Yo les voy a
decir a los jóvenes lo siguiente: en el caso mío, o sea yo, aparte de ser un
escritor soy un gestor cultural, es decir que hago gestión y animación cultural,
como tú que eres un gestor cultural y como Pedro Ovalles que es un gestor
cultural a través del Taller Triple Llama. Lamentablemente la República Dominicana
no es un país que tenga un buen ambiente para la literatura. Uno hace las cosas
porque hay una necesidad interior que te dirige, no porque haya un estímulo
para que escribas. Recuerda: la literatura es la memoria mayor de la civilización.
Un país sin literatura es un país sin identidad, sin pensamiento y sin memoria,
es una sociedad estéril. A veces es al contrario: hay una serie de obstáculos que
te presenta el ambiente literario nacional, la sociedad dominicana en general,
que lastra al escritor. Lo que yo les digo a los jóvenes es que si van a
escribir que no se desesperen, que lean mucho, un escritor tiene que ser un
buen lector, que lean mucho, que sigan leyendo y que no se desesperen. Hay que
tener eso en cuenta para ser un escritor en este país. Yo les recomendaría, con
toda sinceridad: si quieren ser escritores, márchense del país. Por ejemplo en
México terminó ahora la feria del libro de Guadalajara, que es la feria del
libro más importante de Hispanoamérica, y los escritores dominicanos están
marginados de esa feria. Tú ves las noticias internacionales y hablan de los
escritores argentinos que pasaron por ahí, de los escritores puertorriqueños, de
los escritores cubanos, los escritores mexicanos, los hondureños, los centroamericanos
en sentido general, o sea una serie de escritores latinoamericanos de todos los
países, y sin embargo los escritores dominicanos están marginados de ese
evento. ¿Por qué? Nadie lo sabe, eso es un misterio, pero para eso precisamente
es que existe el Estado, para estimular esa clase de cosas, para eso tenemos un
Ministerio de Cultura que sin embargo no sirve para nada. Entonces va a llegar
el momento en que uno, que se pasa la vida entera en esto, y que Pedro Ovalles,
que se pasa la vida entera, y que tú, que te pasas la vida en esto, va a llegar
el momento en que vamos a decir: ah, bueno, dejemos esto y vamos a dedicarnos a
nuestras labores privadas, lucrativas, vamos a dejarles el país a los
analfabetos y los corruptos y los ineptos, vamos a olvidarnos de la cultura
porque no hay ningún estímulo.
W.P.: ¿Cuáles son
tus lecturas favoritas y autores?
M.V.: Yo leo mucha
narrativa. Más narrativa que cualquier otra cosa. Aunque también leo poesía. Hay
cantidad de escritores que me gustan mucho y que han influenciado mi obra.
Faulkner, por ejemplo, Juan Carlos Onetti, Cervantes, Shakespeare, Juan Rulfo,
los clásicos españoles. Ahora estoy leyendo a Coetzee, que es Premio Nobel de
Literatura, un sudafricano a propósito de que en estos días murió Mandela, a José
Saramago, a J. M. G. Le Clézio, estoy releyendo a Camus porque estoy
escribiendo un ensayo breve sobre “El Extranjero”. Me gustan mucho Bioy
Casares, César Vallejo, Paul Celan. Los autores del boom que son imprescindibles,
por ejemplo Gabriel García Márquez, Julio Cortázar, algunos como Jorge Luis
Borges o Carpentier, dominicanos como Juan Bosch o Pedro Peix, Manuel del
Cabral, Franklin Mieses Burgos, Virgilio Díaz Grullón… Es decir que hay una
serie de escritores que a mí me gustan mucho y que han influenciado mucho mi
obra.
W.P.:
¿En qué consiste tu novela “Ana y los Demás”? Y, ¿qué temática tiene y qué lenguaje?
M.V.: “Ana y los
Demás” fue una novela que yo escribí muy joven. Es otra novela corta, escrita
luego de “Juguete de Madera”. “Ana y los Demás” es una novela que está basada
en el lenguaje, en la forma, que es mucho más importante que la historia. Es un
experimento: yo trataba de encontrar un lenguaje urbano que coincidiera con una
historia en una ciudad que crecía y que no sabía para dónde iba, que todavía no
sabe para dónde va. La ciudad es un personaje más del libro. La historia es la
de un señor, un hombre joven al cual su esposa lo abandona, y él entonces
escribe una novela en la que ella muere. El personaje siempre se consideró poca
cosa para esa mujer, en principio porque es un escritor frustrado, todos los
escritores dominicanos sienten una especie de maldición cuando se dedican a
algo como la literatura. Él trata de matarla a través de la literatura. Se dan
una serie de aventuras que él tiene en algunos bares, en un motel, en un
cementerio, en la puesta en circulación de un libro, en las calles de Santiago,
destruidas para ser reconstruidas interminablemente durante el último gobierno
de Joaquín Balaguer, etc., etc. En las obras que yo escribo siempre pasan
muchas cosas, yo soy muy vital, yo no escribo ni reflexiva ni muy filosóficamente,
todo tiene que estar en la historia. Aunque yo trato, sí, de no ser superficial,
y creo que no lo soy. Pero en lo que yo escribo siempre pasan una cantidad de
cosas. La novela trata precisamente de lo que él está escribiendo, de cómo esa
mujer lo abandonó y él trata de matarla con la imaginación. Es una obra que
trata, sobre todo, de la soledad, del abandono, de la imposibilidad de la
poesía en países como el nuestro, del pesimismo.
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Las 10 mejores novelas latinoamericanas de todos los tiempos
Es sumamente difícil, prácticamente imposible, entregar un listado de las diez mejores novelas latinoamericanas de todos los tiempos. Es más difícil aún teniendo en cuenta que hablamos
de Novelas Latinoamericanas, es decir que no hablamos sólo de libros hispanoamericanos, por lo que cabrían en el ranking, por lo menos, las novelas brasileñas, escritas en portugués. Luego de ser ignorada por siglos debido al eurocentrismo propio de los colonialistas y los colonizados, la literatura de Latinoamérica (como un todo, no de manera individual a través de algunos escritores destacados) empezó a ser apreciada en el siglo XX como lo que es: uno de los más grandes legados culturales de todo un continente a la humanidad, debido a la diversidad, al sincretismo, la promiscuidad propia de una cultura mestiza cuyos grandes problemas se resolvían siempre a través de la imaginación.
Pero vamos a ser, quizás por primera vez, esencialmente prácticos. Hay seis países latinoamericanos, cinco hispanoamericanos, en donde existe la mayor industria editorial de nuestra región, es decir, los países en los que más se venden libros. Esos países son: México, Colombia, Argentina, Chile, Perú y Brasil. Los hispanoamericanos son los cinco primeros, por supuesto. Las excepciones son Cuba y Uruguay, países en los que se leen muchos libros, que no es lo mismo a que se vendan muchos libros, debido a las limitaciones económicas y al tamaño del mercado en Cuba, y debido a la poca cantidad de habitantes en Uruguay, es decir, debido también al reducido tamaño de su mercado. Sin embargo, el volumen de lectores de esos dos países también ha provocado que tengan escritores de primera línea, con amplio reconocimiento internacional. De los seis países latinoamericanos en los que más se venden libros, cuatro ya tienen premios Nobel de Literatura: Chile (2), y Perú, Colombia y México uno cada cual. Es decir, que el que piense que las cosas, aún en el ámbito literario, artístico, suceden debido al azar, se encuentra muy equivocado.
Los dos países restantes, Argentina y Brasil, no han tenido aún ningún Premio Nobel, pero todos sabemos que algunos escritores argentinos o brasileños han merecido ese premio con creces, desde Borges, Cortázar, Bioy Casares y Sábato en Argentina, hasta Jorge Amado, Joao Guimaraes Rosa o Clarice Lispector en Brasil. Sin contar la larga lista de excelentes escritores que no son tan conocidos como los mencionados, pero cuya obra, a veces injustamente anónima, podría ganar cualquier premio de este tipo.
Pero en fin, que obviando una serie de grandes novelas latinoamericanas que merecen encontrarse en un hit parade de las mejores diez novelas de Latinoamérica, aquí está una posible lista, aunque de antemano sabemos que es puramente personal, arbitraria, injusta, reduccionista, y que obvia como regla las nuevas novelas, o por lo menos las relativamente recientes, debido a que no han pasado la criba asesina del tiempo. No se encuentran en orden numérico, lo que significa que la primera que se mencione no tiene que ser necesariamente la mejor, ni la última la peor. Aquí están diez, y cada quien puede realizar luego su particular conteo de diez, quizás muy diferente a éste:
-Pedro Páramo, Juan Rulfo.
-Cien Años de Soledad, Gabriel García Márquez.
-Conversación en la Catedral, Mario Vargas Llosa.
-La Vida Breve, Juan Carlos Onetti.
-El Siglo de las Luces, Alejo Carpentier.
-Un Mundo para Julius, Alfredo Bryce Echenique.
-Gran Sertón, Veredas, Joao Guimaraes Rosa.
-La Invención de Morel, Adolfo Bioy Casares.
-La Región Más Transparente, Carlos Fuentes.
-Rayuela, Julio Cortázar.
Estamos dejando una cantidad de grandes novelas fuera de la lista, de Donoso, de Roa Bastos, de Rómulo Gallegos, de Jorge Amado, de Machado de Asís, de Miguel Ángel Asturias, etc., etc. Mea culpa, la lista era sólo de diez. Algo sumamente interesante es que no aparece ninguna escritora, lo cual se explica no debido a ninguna misoginia de mi parte, sino porque las mujeres en nuestros países prácticamente no escribían (debido a problemas sociales y culturales de prevalencia del hombre que no vamos a analizar aquí), y cuando lo hacían se dedicaban más bien a la poesía, lo que explica que Chile tenga una poeta Premio Nobel. El video lo explica mejor que estas palabras.
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El mercado editorial en Hispanoamérica
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de Novelas Latinoamericanas, es decir que no hablamos sólo de libros hispanoamericanos, por lo que cabrían en el ranking, por lo menos, las novelas brasileñas, escritas en portugués. Luego de ser ignorada por siglos debido al eurocentrismo propio de los colonialistas y los colonizados, la literatura de Latinoamérica (como un todo, no de manera individual a través de algunos escritores destacados) empezó a ser apreciada en el siglo XX como lo que es: uno de los más grandes legados culturales de todo un continente a la humanidad, debido a la diversidad, al sincretismo, la promiscuidad propia de una cultura mestiza cuyos grandes problemas se resolvían siempre a través de la imaginación.
Pero vamos a ser, quizás por primera vez, esencialmente prácticos. Hay seis países latinoamericanos, cinco hispanoamericanos, en donde existe la mayor industria editorial de nuestra región, es decir, los países en los que más se venden libros. Esos países son: México, Colombia, Argentina, Chile, Perú y Brasil. Los hispanoamericanos son los cinco primeros, por supuesto. Las excepciones son Cuba y Uruguay, países en los que se leen muchos libros, que no es lo mismo a que se vendan muchos libros, debido a las limitaciones económicas y al tamaño del mercado en Cuba, y debido a la poca cantidad de habitantes en Uruguay, es decir, debido también al reducido tamaño de su mercado. Sin embargo, el volumen de lectores de esos dos países también ha provocado que tengan escritores de primera línea, con amplio reconocimiento internacional. De los seis países latinoamericanos en los que más se venden libros, cuatro ya tienen premios Nobel de Literatura: Chile (2), y Perú, Colombia y México uno cada cual. Es decir, que el que piense que las cosas, aún en el ámbito literario, artístico, suceden debido al azar, se encuentra muy equivocado.
Los dos países restantes, Argentina y Brasil, no han tenido aún ningún Premio Nobel, pero todos sabemos que algunos escritores argentinos o brasileños han merecido ese premio con creces, desde Borges, Cortázar, Bioy Casares y Sábato en Argentina, hasta Jorge Amado, Joao Guimaraes Rosa o Clarice Lispector en Brasil. Sin contar la larga lista de excelentes escritores que no son tan conocidos como los mencionados, pero cuya obra, a veces injustamente anónima, podría ganar cualquier premio de este tipo.
Pero en fin, que obviando una serie de grandes novelas latinoamericanas que merecen encontrarse en un hit parade de las mejores diez novelas de Latinoamérica, aquí está una posible lista, aunque de antemano sabemos que es puramente personal, arbitraria, injusta, reduccionista, y que obvia como regla las nuevas novelas, o por lo menos las relativamente recientes, debido a que no han pasado la criba asesina del tiempo. No se encuentran en orden numérico, lo que significa que la primera que se mencione no tiene que ser necesariamente la mejor, ni la última la peor. Aquí están diez, y cada quien puede realizar luego su particular conteo de diez, quizás muy diferente a éste:
-Pedro Páramo, Juan Rulfo.
-Cien Años de Soledad, Gabriel García Márquez.
-Conversación en la Catedral, Mario Vargas Llosa.
-La Vida Breve, Juan Carlos Onetti.
-El Siglo de las Luces, Alejo Carpentier.
-Un Mundo para Julius, Alfredo Bryce Echenique.
-Gran Sertón, Veredas, Joao Guimaraes Rosa.
-La Invención de Morel, Adolfo Bioy Casares.
-La Región Más Transparente, Carlos Fuentes.
-Rayuela, Julio Cortázar.
Estamos dejando una cantidad de grandes novelas fuera de la lista, de Donoso, de Roa Bastos, de Rómulo Gallegos, de Jorge Amado, de Machado de Asís, de Miguel Ángel Asturias, etc., etc. Mea culpa, la lista era sólo de diez. Algo sumamente interesante es que no aparece ninguna escritora, lo cual se explica no debido a ninguna misoginia de mi parte, sino porque las mujeres en nuestros países prácticamente no escribían (debido a problemas sociales y culturales de prevalencia del hombre que no vamos a analizar aquí), y cuando lo hacían se dedicaban más bien a la poesía, lo que explica que Chile tenga una poeta Premio Nobel. El video lo explica mejor que estas palabras.
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La Fatiga Invocada-José Rafael Lantigua
I
El estupor que se mece entre los escombros es un baldaquín mecido en las ruinas de una tempestad comida de vientos. Escribo la letra silenciada de tu sombra. Cargo sobre mis pupilas el miedo frenético de tu semblante glorioso. Exhausto, veo tus labios moverse hacia la gruta palmaria donde esgrime su hazaña el duende de tu escudo cambiante. Como espada, la fiera cumbre adormece pálida en su mansedumbre.
https://www.youtube.com/user/juguetedemadera
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Casiopea-Silvio Rodriguez
Como una gota fui de la marea
la playa me hizo grano de la arena.
Fui punto en multitud por donde fui
nadie me detectó y así aprendí.
Cuando creí colmada la tarea
volví mi corazón a Casiopea.
Cumplí celosamente nuestro plan:
por un millón de años esperar.
Hoy llevo el doble dando coordenadas
pero nadie contesta mi llamada.
¿Qué puede haber pasado a mi señal?
¿Será que me he quedado sin hogar?
Hoy sobrevivo apenas a mi suerte
lejano de mi estrella
de mi gente.
El trance me ha mostrado otra lección:
el mundo propio siempre es el mejor.
Me voy debilitando lentamente
Quizás ya no sea yo cuando me encuentren
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“A MITAD DEL SENDERO”
LIBRO DE CUENTOS
DE ALTAGRACIA PERES
PYTEL.
PRESENTACION DE
CARLOS BURGOS ACOSTA.
El
lenguaje que representa a la estructura del cuento lo posiciona dentro de la
literatura universal mediante la especificidad temática y la brevedad de sus
narraciones. Quizás este es uno de los
elementos que lo hace especial en el ámbito de la lectura. La relación
que existe entre el tiempo y el espacio es un componente que nos permite
conocer los signos reales o ficticios del narrador que se toma la difícil tarea
de hilvanar sus ideas para plasmarlas objetivamente en unas cuantas líneas del
papel.
Este
libro está compuesto por 17 cuentos, unos breves, otro no tanto, los cuales han
sido divididos por la autora en dos partes: A mitad del Sendero, y, Alfabeto
para la Desolación. En el mismo se puede
percibir el éxodo de la autora desde la esencia de los países americanos hacia
el viejo continente europeo donde los fenómenos culturales experimentan cambios
significativos, pero que en el fondo siempre existirá un hilo conductor que
enlaza su pensamiento con sus orígenes, expresado al través de la poética, su
visión y su experiencia con las sociedades donde se ha desenvuelto.
En el
contexto de la antropología cultural, hay diversos mecanismos que configuran el
valor de la identidad, uno de los iconos que Altagracia explora en sus cuentos
y que se convierte en el recurso literario más importante de su proceso
creativo. En el momento en que ella
decide conceptualizar la equidad de sus relatos, crea plena conciencia de que
la identidad cultural es el código primordial de todo escritor que procura la
trascendencia de sus obras.
Es
preciso acentuar que en este dilema de la conceptualización, existió en ella
una lucha interna de buscar el cuento perfecto, no solamente el que se aleja de
todo chauvinismo, sino también aquel que se distancia del esnobismo con que la
contra cultura intenta invadir a todo creador literario para mantenerlo aislado
de sus raíces antropológicas para asumir posturas ajenas. En este mismo sentido, percibimos que al
planteársele esta contradicción, se toma como salida la actitud de apoderarse
de la diversidad cultural como solución y así su obra alcanza un carácter
universal, manejado desde la territorialidad de nuestra cultura.
La
migración del hombre de campo que abandona sus tierras para vivir hacinado en
los barrios marginados de la ciudad, el rancho construido al final del rio, los
brebajes, los resguardos, la bruja que se chupa a los niños, el difunto que se
lleva a los enfermos que están acostados, el canto del Angelus, las cuentas del
Rosario, la gotera que cae en el piso, la silla de guano, el hollín en el fogón
de tierra y otros dispositivos típicos son los símbolos que están presentes en
la cuentistica de este libro y se constituyen en la resistencia que durante
muchos siglos se ha mantenido arraigada en nuestra cultura en contra de un
colonialismo mental que ha pretendido vanamente borrar todo indicio de nuestra
historia ancestral.
La
conexión de la lingüística con el texto procura resaltar un vivo interés del
manejo del lenguaje que se encuentra evidenciado en el cuento. Por esta razón, todo cuentista tiene que
adaptarse a las técnicas y normas que le exige su profesión. Cuando existe una negación a estos principios
entonces nos estamos enfrentando a cualquier tipo de relato que se estará
distanciando de toda consideración literaria.
Al
analizar los cuentos de Altagracia, nos encontramos con un uso equilibrado del
efecto lingüístico. Si deseamos
completar el sentido de este planteamiento, solamente tendríamos que leer
alguno de sus relatos en voz alta para determinar todas las partes que componen
la estructura del lenguaje en sus textos.
Cuando una lectura se escapa a la interpretación mental y se toma la
fonología como un medio de articulación, entonces la fonética cumple su papel
al crear un sonido al mezclarse con la acústica.
En esta
relación del lenguaje con la lengua, se nos presenta un fenómeno idiomático muy
interesante que en nuestro país solamente existe en la región del Cibao, de
donde la autora es oriunda, y es el empleo de la “i” al conversar, la cual heredamos
de la colonización española y hoy representa una de las características por la
cual los cibaeños hemos de sentirnos sumamente orgullosos. En este libro vamos a encontrarnos con muchas
frases escritas de esta forma, lo que enfatiza la importancia de la lingüística
en el proceso creativo de la cuentista.
Altagracia
hace referencia a los grandes maestros de la literatura universal a los cuales
admira y le han servido de inspiración en sus relatos. Es un gesto muy noble de su parte porque al
conocer esta información y al analizar sus cuentos, resulta viable deslindar su
independencia creativa, en el cuidado de la forma de su escritura, la cual
puede considerarse como única ya que refleja la autenticidad de su estilo. En este caso, un valor que posee su poesía es
su concepción mimética porque todos sabemos que para que un escritor pueda
trascender es necesario tener que crear un estilo propio definiendo los
alcances de la mimesis.
Lo que
siempre ha definido a la literatura es la poesía, es lo que diferencia a una
persona común a un poeta, es lo que determina la muerte o la permanencia de una
obra. Parafraseando a Aristóteles
podríamos decir que todo el mundo puede escribir un cuento, pero pocos pueden
considerarse como cuentista. El
paralelismo se establece en el conocimiento que se ha adquirido en la
concepción de la estética.
Los
cuentos de Altagracia muestran un contacto con la poesía en la forma que
esgrime las palabras para construir imágenes que sobrevuelan los espacios del
plano simbólico y se escapan a los albores de la cotidianidad para conectarnos
con el universo de lo estético. Esto lo
sabía muy bien Evelia cuando se arrastraba sobre el sendero con su macuto, su
sombrilla y su sombrero. Evelia que dejó
su sonrisa y empezó a tejer sus pies descalzos con cadillos, rosas y espinas,
en un camino lleno de mariposas, luciérnagas y cardo santos. Sí, ella, Evelia, quien agoniza sola a mitad
del sendero, sin que a nadie le importe.
Estos
cuentos resaltan las interioridades del ser humano a través de la psicología de
sus personajes, nos hacen conocer la manera en que estos responden al entorno
social en que se desarrollaron mediante sus hechos. En esa misma interrelación, sus comportamientos
influyen en los demás personajes dando una mayor fuerza a la composición de las
historias. Precisamente en este punto,
la psicología se une a la sociología para justificar el carácter de cada
personaje en cada cuento.
Nonona,
de aspecto medioeval, con un vestido negro hecho jirones, se da cuenta que ser
bruja es el mejor de los sueños. El
compadre Quiterio González con sus ínfulas llenas de soberbia, ordenó que
picotearan los sembrados. La señora
Emilia, criada según las costumbres religiosas acostumbra elevar sus oraciones
al cielo en cada mañana. Lépida Guzmán
se fue a vivir en un cuartucho con paredes de bloques y hojalatas en un barrio
sumido en la miseria, pero no pudo soportar su destino y en medio de una crisis
emocional, decide tomar la peor de las decisiones. Jana fue una distinguida dama belga cuya vida
cambió diametralmente a raíz de la parálisis que la postró para siempre a una
silla ortopédica.
Cada
personaje actúa de acuerdo a las costumbres en que fue criado dejando entrever
sus rasgos psicológicos. En algunos de ellos
es posible descubrir sus actitudes a la luz de la psiquiatría, siendo estos dos
elementos muy indispensables para entender sus conductas cuando la diégesis se
encarga de desnudar la vida pasada de cada uno de ellos.
El tiempo
que le ha tomado al mito dejar sus huellas imperecederas en el arte y las
ciencias, ha servido para instaurar un precedente en los creadores frente al
hecho de su escritura. El cuento es uno
de los espacios narrativos donde la ficción obtiene una notoria influencia, ya
que la misma se desprende de sus adentros para legar un relato puramente
vestido de originalidad.
Los mitos
que sirvieron de inspiración a Altagracia para escribir sus cuentos, nacen de
la misma realidad que arropa a nuestro país, de sus vivencias experimentadas en
la vida del campo, de estar en contacto
con la gente del pueblo, con los que viven en los barrios marginados, en los
que emigran a países más ricos en busca de mejorías económicas o por asuntos
familiares. Ella ha sabido interpretar
esa realidad, vivirla y asumirla hasta tal punto de que los acontecimientos
míticos ejercen una gran persuasión en su función creativa.
Entonces
aquí interviene la imaginación de la artista que se siente atrapada en las
redes de la fábula, para crear nuevas historias que vayan de acuerdo al
lenguaje del cuento donde la ficción pone en marcha todos los componentes de
una narrativa, que en la mayoría de los casos, se sienta a la sombra de la
epistemología. Porque ella está
plenamente segura de que el mito contiene una serie de características muy
reales que en el plano simbólico precisan de una mayor comprensión. Por esta razón, hay que acudir a la ficción
para dejar a la humanidad un cuento artístico, plasmado de autenticidad, de verdad,
pero sobretodo, de audacia.
El aspecto
psicológico siempre ha de estar acentuado en un escritor y su obra. Su pensamiento religioso, político o social
transita en su creación de una forma objetiva o subjetiva. A través de la historia, todos los
movimientos artísticos y literarios se han visto emplazados a enarbolar una
bandera ideológica que le sirve como estandarte para aliarse o rechazar un
sistema imperante.
Los
cuentos de Altagracia se identifican por poseer un compromiso social que
explican sus deseos de dar a conocer cómo los avances del mundo nos están
convirtiendo en maquinas que han perdido su sentido común, al hacerse ajenos a
esa verdad de millones de personas que viven sumidos en la indigencia, sin
esperanza alguna, de trabajar por un sueldo de miseria, esperando en una simple
casucha de barrio a que un día la muerte acabe con tantos sufrimientos.
En este
paso de deshumanización, que en el día de hoy preocupa a muchos escritores e
intelectuales en el mundo, sale a la luz
pública este libro para hacerse solidario con ese sentimiento universal. Son los escritores los que están llamados a
luchar por un sistema más humano, que sus obras sirvan de espejo para cambiar
un pensar injusto y decadente como el que tenemos. Es el caso de Vanja, hija de un miembro del
ala reaccionaria del partido, quien al ver la caída del muro ideológico se ve
tentada a conocer la otra cara de lo que la sociedad llama moralidad.
La
plasticidad es uno de los códigos que siempre debe estar contenido en una obra
literaria. Es lo que sucede en los
cuentos de Altagracia quien se ha esmerado en cuidar ese detalle. Cuando se tratan temas muy fuertes en
literatura, el escritor debe cobijarse en el símbolo plástico para despertar
emociones sutiles, y hasta ciertos puntos espirituales, para sumergir al lector
en un espacio dominado por la estética.
Ella conoce a la perfección este recurso y como escultora sabe moldear
el barro de la realidad con sus manos para ofrecernos una obra de arte que
tiene que ser especial por el sello particular que le impregna.
El
soldado de cara morena, con ojos color avellana, atractivo ante las miradas de
las mujeres, luego de la traición a los suyos se convirtió en un ser vencido
por el insomnio, el deshonor y el agobio.
El hijo de Mary Oswalt, acostumbrado a los comics, a los libros de
aventuras y a los superhéroes de la televisión toma la decisión de volar en el
precipicio del pueblo. La vida de
Marlena Taveras se nos cuenta por medio de una analogía con la muñeca rota, una
joven que siente cómo sus sueños se derrumban por hacer un cambio actitud.
Las
locaciones donde tienen efecto los mitos son descritos con certeza por parte de
Altagracia para ubicar al lector en los lugares donde los personajes acompañan
a la acción. Los goznes que crujen en la
casa que por mucho tiempo ha estado descuidada, las calles repletas de
vehículos donde las damiselas ofrecen sus servicios, la colección de abrigos de
pieles, al auto de lujo en el garaje y otros factores de la plasticidad le dan
una pincelada estética a sus narraciones.
Los
textos de este libro narran historias extraídas de nuestro entorno, con
temáticas que por sus naturalezas logran crear una conexión con el lector al
despertar la empatía de la cual nadie se podrá escapar y que marca un sello
distintivo en la cuentistica universal.
Más allá
de los asuntos que puedan descubrirse en el texto, existe un firmamento de
situaciones que subsisten al margen de las palabras. En el sub texto de los cuentos de Altagracia
se detallan varios fenómenos que están incrustados en nuestra vida. En medio de los avances que han tenido la
medicina y las ciencias, la marginalidad en que viven la gente de pueblo los
obliga a creer en los supuestos milagros de la brujería. Con el gran poder que tienen las religiones,
todavía hay quienes siguen creyendo en una mitología ancestral. La maldad se sigue adueñando de la ingenuidad
de nuestros jóvenes, que por sus bellezas son seducidas para luego ser
abandonadas a su suerte.
Más, en
el fondo de todas las cosas, se encuentra la intención de la autora, la de
luchar por una mejor sociedad donde exista la equidad de género, donde el ser
humano sea revestido de dignidad y pueda acceder a los servicios que por
derecho le pertenecen. Provocar por
medio de la literatura un cambio de pensamiento para derrumbar la ignorancia,
que durante siglos los manejadores del poder han utilizado para servirse de la
bondad de un pueblo que le ha soportado todo.
Esta es
la obra “A Mitad del Sendero”. Esperamos
que Altagracia siga escribiendo los cuentos que le esperan en la otra mitad de
ese camino marcado por las pisadas del tiempo.
De igual manera, que ella se motive a escribir los otros relatos que ha
de encontrar en los demás senderos de su existencia creativa.
Con
afectos.
Carlos Burgos Acosta,
Dramaturgo, Guionista de Cine.
Puesta en circulación
del libro.
Ateneo Amantes de la
Luz.
Santiago, República
Dominicana.
26 de noviembre del
2014.
Adquiere aquí el libro de Altagracia Pérez:
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